La Trienal de Arte Latinoamericano de Nueva York 2022 es un evento que nació con la ambición de crear una plataforma de exhibición y reconocimiento a artistas de América que viviesen o no en Estados Unidos. El evento cuyo origen se sitúa en el 2008, ha reunido a más de 800 artistas y ha puesto a debate conceptos críticos asociados a la valoración del arte por su procedencia y procesos. Tensiones que cuestionan la misma perspectiva territorial para definir una identidad comunitaria que siempre tiende a multiplicarse y que agrupa aquello que tiende a dispersarse. 

En esta oportunidad, la Trienal de Arte Latinoamericano de Nueva York, sitúa un origen común en un concepto histórico que propone reunir el territorio,-tantas veces dividido por fuerzas o voluntades-, a través del concepto “Abya Yala: Orígenes estructurales”, término usado en Colombia y Panamá para referir al continente como una Tierra Madura, Tierra Viva o Tierra Floresciente, y como un espacio donde se reconocen las influencias “precolombina, africana, europea y el cambio compulsivo de la época contemporánea”. La curaduría de la presente edición está a cargo de Alexis Mendoza, curador en jefe y Luis Stephenberg, Director de la Trienal.

El reconocido artista peruano Carlos Runcie Tanaka (Lima, 1958) participa en la exposición en Nueva York, con dos piezas, Fragmento (2009) y Demanding / Exigiendo (2019). La relación de la obra de Runcie Tanaka con el pasado cultural y sus (des) enterramientos es cercana y continua. En su práctica artística, la influencia de un legado de tradiciones culturales asociadas a la cerámica, nos invita a entender, desde una perspectiva distinta, esas culturas materiales y sus procesos.

Sus obras han (de)mostrado verdades ocultas y ocultadas de los múltiples orígenes que nos constituyen y nos ha enseñado a varias generaciones a comprender, desde su práctica, el arte de los ancestros desde nuevas perspectivas que contribuyen a nuestra sensibilidad así como a la investigación científica. Conversamos con el artista sobre las obras y el poder de la poética de la arcilla presentes en Nueva York hasta enero 2023.

Fragmento

El video, "Fragmento" (2009), es una obra que se presentó inicialmente en la exposición “Fragmento” (Station Museum, Houston, Texas, EE.UU. 2009). En la filmación se ven las manos manipulando fragmentos de cerámica en un intento por unirlos y establecer conexiones entre ellos. Las manos de familiares y asistentes se entremezclan en esta acción, reconociendo de esta manera la importancia de todas las personas que forman parte de su vida y el trabajo. La constante manipulación de los fragmentos de cerámica y el sonido de las piezas rotas -en un intento por recobrar la identidad perdida y dañada- dan lugar a una nueva creación, un territorio por explorar, un espacio compartido. La pieza audiovisual está originalmente concebida para ser proyectada sobre el suelo, recordando las antiguas fosas, tumbas, entierros de la Cultura Wari (600-1000 d.C.) donde se arrojaban los fragmentos de cerámica como parte del ritual funerario.

Para el artista, "Fragmento" es una videoinstalación exhibida sobre el suelo, donde todo cae, donde todo termina. Un ejercicio de búsqueda de soluciones a una realidad quebrada, hecha trizas en donde participaron miembros de su familia y participantes de un taller. Trabajar con cerámica es un proceso muy particular, no menos exigente conservarla. Su fragilidad podría ser una amenaza y anuncio de su desaparición y, sin embargo, nos muestra a los espectadores una propuesta para encontrar nuevas formas que crean nuevos territorios de reunión mientras observamos la manipulación de las piezas rotas. El reconocimiento a las personas que forman parte de su vida en el proceso de asir los fragmentos es conmovedor.

"Creo que el trabajo en equipo ha sido siempre fundamental e importante en mi proceso. Realizar el video “Fragmento” fue no solo emotivo sino simbólico. Mi familia ha sacrificado tanto para dejarme “jugar” sacrificando su espacio, convirtiendo el hogar y la casa familiar en taller y museo a la vez. Un sacrificio muy alto con mucha generosidad y desprendimiento por parte de todos los miembros de mi familia. Los participantes del taller han sacrificado tiempo y se han entregado con total dedicación acompañándome en un oficio con fuerte disciplina que sigue patrones muy básicos pero definidos del oficio del ceramista tradicional para luego abordar otras exploraciones más sueltas y libres del mismo oficio".

Nos dice el artista, que durante la grabación de "Fragmento", hubo mucha improvisación, soltura, intuición. "Era también la posibilidad de agradecer su gran contribución a mi proceso al dejar la posibilidad de que pudiesen apropiarse de los fragmentos, escoger, mezclar, revolver, buscar, juntar las piezas rotas tratando de encontrar conexiones para dar sentido a nuestro quehacer, dar identidad a nuestras vidas".

El sonido es solamente el de la fricción de los elementos de cerámica rotos y su constante manipulación. Se trata casi de un trance colectivo de un grupo humano en busca de un punto de encuentro, un espacio compartido y un territorio por explorar, generando y continuando un ritual tan antiguo como actual, el de juntar los fragmentos. "De alguna manera esta acción ritual ha sido una respuesta también la necesidad de incluir a todos en el proceso, no solamente a mi familia, mis asistentes, sino también a los amigos y la comunidad extendida. La sociedad y el mundo en el cual he podido construir identidad a través de las historias que he venido descubriendo, contando para seguir juntando los fragmentos".

“Estos fragmentos he orillado contra mis ruinas / These fragments I have shored against my ruins”

T.S. Eliot, La Tierra Baldía / The Waste Land, 1922

Demanding / Exigiendo

La relación de la obra con el pasado cultural y sus (des) enterramientos es cercana y larga, una influencia que nos invita a entender desde una perspectiva distinta esa cultura material y sus procesos. En "El fuego no hace concesiones" (Museo Amano, 2019), nos presentó una selección valiosa de la colección Chancay del Museo Amano, una que nos mostraba algo que parece imposible de reconocer en etapas cronológicas separadas no solo por siglos sino por culturas tan disímiles, me refiero a la sensibilidad hacia el objeto producido, el error reconocido como posibilidad, quizás incluso reconocido por la resignificación de su valor estético. En esta exposición, un puño de cerámica Wari, dirige al observador hacia otro tiempo y territorio, para trazar una nueva ruta hasta “Demanding”.

Luego de la exposición “El fuego no hace concesiones”, Runcie Tanaka tuvo un alejamiento del oficio debido a los tiempos difíciles que nos impuso el coronavirus COVID-19 y la pandemia. El mundo cambió y también el ritmo de trabajo cotidiano en el taller. "Es una época muy compleja en la cual necesitamos ser más humanos y conscientes de nuestras capacidades y limitaciones para recuperar el respeto al entorno y a todos los seres que compartimos este hogar, el mundo que habitamos", nos dice.

En "Demanding / Exigiendo" (2019), podemos ver la influencia de la forma original Wari dotada de nuevos elementos gráficos vinculados a momentos culturales emblemáticos del pasado y el presente que suelen integrar el imaginario de lo nacional, como una reivindicación en la que la fuerza del puño y otras múltiples interpretaciones que se pueden dar sobre esta, desaparecen para asumir otros gestos, más amables, más sensuales, más crípticos. La pieza nos exige o muestra una unidad frente a un daño ecológico, social y económico, unidad esquiva, momentánea emergencia de gestos asimétricos, que parecen invitarnos a mirar nuestras propias manos para entenderlos.

Este año, al recibir la invitación de los curadores de la Trienal de Arte Latinoamericano de Nueva York - NYLAAT 2022 para participar en la exposición, Runcie Tanaka recordó el boceto de un trabajo que había planteado en el año 2015 sobre la persistencia del ser humano a pesar de la adversidad. “Se trataba de una instalación con manos de cerámica representando las diversas culturas y etnias del territorio peruano, colocadas sobre una superficie de petróleo, una suerte de respuesta al derrame de miles de barriles de petróleo debido a una fuga en el Oleoducto Norperuano en el 2014, en la quebrada de Cuninico, un desastre ambiental que impactó en el ambiente y salud de las comunidades nativas de San Francisco, Nueva Esperanza, Cuninico y Santa Rosa, ubicadas en la región Loreto”.

En la nueva propuesta para NYLAAT 2022, la instalación se convierte en un video con la imagen de las manos de cerámica  -cada mano configura cada una de las letras del alfabeto de los sordomudos- sugiriendo, elevando una voz silenciosa, esta vez exigiendo. “Este trabajo trae a la memoria los constantes derrames de petróleo en la Amazonía y otros lugares del territorio peruano que afectan a la población y el medio ambiente y, el reclamo de los habitantes que no pueden aprovechar la riqueza del recurso natural en sus tierras y que exigen ser reconocidos por una sociedad que suele olvidar a los más necesitados”.

"Las piezas de cerámica nos remiten al legado prehispánico en objetos que utilizan la mano como símbolo de respeto y poder. Aquí es donde intento hacer la conexión con el puño Wari. La mano que toca la mano a través del tiempo, exigiendo unidad e inclusión".

Es importante subrayar que, la agrupación de manos de cerámica se deriva también de la obra que integró la instalación “Tiempo Detenido” (Sótano / Biblioteca del Centro Cultural de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú - ENSABAP, Lima, 1997).

Un grupo de 52 manos de cerámica -cada mano izquierda y derecha configurando cada una de las letras del alfabeto de los sordomudos- estaba en una habitación con todas las paredes escritas -a mano- con el texto:

no es lo que piensas ni lo que dices no lo que percibes ni lo que sueñas no es lo que quieres ni lo que persigues ni lo que pretendes no lo que no tienes no es lo que deseas ni lo que consigues no es lo que ves ni lo que oyes ni siquiera eso es es lo que es no es lo que piensas ni lo que dices…

Este es el texto que escribió en la pared de su taller la misma noche que regresó a casa para reencontrarse con su familia luego de haber estado en cautiverio por casi una semana en la toma de la Residencia del Embajador del Japón en diciembre 1996. Una suerte de mantra, de rezo para encontrar paz y asidero en un mundo lleno de incertidumbre y sucesos violentos e inesperados.

En el año 2004 fue invitado por Álvaro Roca Rey Miró Quesada, director del Museo de la Nación, a escoger una serie de piezas de las colecciones del museo y del Instituto Nacional de Cultura para tratar de encontrar los puntos de encuentro entre las piezas prehispánicas de las diversas culturas y mi trabajo en cerámica.“Al hacer la selección encontré que el espíritu de los ceramios tiene una matriz común, no necesariamente es siempre la técnica la que hermana los trabajos. En muchos casos las similitudes provienen de la observación de la naturaleza y las maneras de ver el mundo que nos rodea.

En las vitrinas de la exhibición se colocaron los objetos prehispánicos, al lado de piezas de mi autoría intentando establecer un diálogo. No es fácil encontrar los vínculos que entrelazan el pasado y el presente, sin embargo al dar una mirada hacia el pasado descubrimos que los seres humanos, aunque distintos, somos esencialmente lo mismo. Faltaba un objeto que dialogara con las manos de cerámica que había estado realizando en mi taller, fue en ese momento que encontramos el ceramio de la Cultura Wari (600-1000 d.C.), una vasija antropomorfa, el antebrazo - puño de inusitada fuerza que daba una respuesta contundente desde el pasado al presente".

En "El fuego no hace concesiones" (Museo Amano, 2019) nos presentó una selección valiosa de la colección Chancay del museo limeño, una que nos mostraba algo que parece imposible de reconocer cuando media la distancia del tiempo y espacio: Las evidencias de su sensibilidad hacia determinados objetos a través de sus prácticas alfareras. La confirmación de que el error, visto desde la contemplación es una muestra de una nueva forma de belleza cuando es reconocida y aceptada como lo hicieron quienes dieron forma al barro durante la etapa que llamamos Chancay.

Para Runcie Tanaka, si bien los referentes de la obra “Demanding / Exigiendo” nos remiten al Perú, a su legado prehispánico y al momento actual de una sociedad que necesita ser escuchada y tomada en cuenta. "Pienso que la obra expuesta en NYLAAT 2022 puede generar reflexión acerca de nuestras culturas y nosotros mismos, como bien dices, mirar nuestras propias manos, mirar nuestros propios cuerpos para dialogar y comprendernos mejor. Me gustaría pensar que podemos detener el tiempo por un momento, buscar en nuestras raíces intentar elaborar y articular nuestro lenguaje y pensamiento, nuestras acciones en busca de un bien común".

Enlaces de interés:

Visitas guiadas a la Trienal: https://nylaat.org/guided-visits/

https://nylaat.org/triennial-2022/

https://nylaat.org/longwood-art-gallery-at-hostos-community-college/